Desde el agudo aguijón del rechazo platónico en “The Banshees of Inisherin”, hasta el suicidio y la autodestrucción en “Tár”, hasta la muerte en un crucero que se hunde en “Triangle of Sadness”, el dolor y la pérdida representan una corriente colectiva que recorre todo el mundo. los candidatos al Oscar de esta temporada categoría escenario.
Una pérdida devastadora conduce a resultados catastróficos y violentos en “Banshees”, la aplastante exploración de Martin McDonagh de una amistad rota en una isla remota frente a la costa de Irlanda a principios de la década de 1920. Mientras la Guerra Civil Irlandesa hace estragos en el continente, el protagonista principal Padrick, interpretado con elocuente perfección por el nominado al Oscar Colin Farrell, es consumido por la angustia de otro evento cataclísmico: su compañero Colm (Brendan Gleeson, también nominado al Oscar) es de repente, y sin precedentes Ultimátum, ella rompe su amistad.
Padrick está tan angustiado que no puede concentrarse en nada más. En una escena, está sentado en su mecedora, su burro mascota, Jenny, tirado en el suelo a sus pies. La hermana de Pádraic, Siobhán (compañera nominada al Oscar Kerry Condon), que vive con ella, corre a su casa de ladrillos e insta a Pádraic a que envíe al animal al aire libre. Pero Badryak es firme y decidido.
“No pongo mi trasero afuera cuando estoy triste, ¿de acuerdo?” dice Chopin, sus ojos brillan con desesperación.
Aparentemente, Padrick es un hombre sencillo: soltero, sin hijos y sin un talento notable del que hablar. Pero una tormenta emocional se está formando debajo de esta superficie. Padraic está roto y roto. Aislado y sin nada más que lo ate, la colección de animales de Pádraic (cabras, vacas, pero principalmente la burra) sigue siendo su único consuelo.
La escena, que transmite el vínculo entre los humanos y nuestras mascotas, es, en última instancia, muy visceral. Colm ha abandonado a Padrich, queriendo no tener nada que ver con él en absoluto. Jenny es todo lo que queda de Pádraic. “Los animales eran, en cierto modo, no solo amigos, sino casi todo lo que Padraic tenía para apoyarse, excepto su hermana, cuando las cosas iban terriblemente mal”, dice McDonagh. “Pero también, creo que los animales allí están observando en silencio, tristemente, este tipo de relación destructiva entre los dos hombres”.
La amistad entre dos hombres rara vez se disecciona en una película, y “Banshees” capturó audiencias de proporciones globales. McDonagh señala que lo que sucede cuando una amistad se desmorona, y esa experiencia de esa dolorosa y desorientadora desaparición, es un escenario con el que todos los seres humanos pueden relacionarse.
“La película definitivamente conmovió y puso nerviosa a mucha gente, especialmente a los hombres, porque es una historia que en realidad no se trata en las películas, una historia de amistad entre hombres, y los altibajos de todo cuando puede”. salir mal”, dice el guionista y director. “Es una película que simplemente captura la tristeza de lo que sucede cuando alguien ya no quiere ser tu amigo. Y no es algo romántico, es casi inexplicable. En un desacuerdo romántico, puedes mapear dónde salió mal Muchas veces, puedes superarlo fácilmente, supongo, porque hay muchos otros aspectos en juego. Pero cuando es solo una simple amistad, puede ser muy doloroso. Te hace reevaluar.
Quién eres, cómo te ven y de qué se trata la vida”.
En “Tár”, cómo el mundo lo percibe a uno, la óptica de su posición profesional y social es lo que juzga a su personaje principal. La impresionante interpretación de Todd Field de un director de orquesta y compositor aclamado internacionalmente (Cate Blanchett, nominada al Oscar) explora las ardientes secuelas de una caída en desgracia profesional. Es un colapso rotundo de su carrera en el mundo de la música que catapulta a Lydia por una escalera de caracol proverbial de ansiedad, soledad y delirio. Ella pierde su trabajo y se distancia de su esposa e hijo. Al final, Lydia perdió la cabeza. Su vida, como yo la conocía, acababa de terminar.
“‘Tár’ es una película sobre la adquisición y el acceso al poder, y cómo eso moldea al individuo y, por supuesto, en última instancia lo deforma”, dice Field. Ciertamente hay un elemento de dolor por la pérdida de ese poder. Sin embargo, la forma en que esto se desarrolla para Lydia puede parecerse más a algo así como un retiro material. Primero la encontramos de pie sobre una estructura de poder, una estructura cuidadosamente elaborada en torno a una historia de autoconstrucción que da forma a su máscara. Cuando el andamiaje de esta estructura se derrumba, la máscara se rompe y todo lo que le queda para mirar y escuchar es un eco de lo que una vez fue su verdadero yo”.
Un sentido de identidad y estatus social se convierte en víctima en “El triángulo del dolor”, que satiriza la estructura socioeconómica y el sistema de segregación de los tiempos modernos cuando los pasajeros adinerados de un costoso crucero sucumben a su ruina. A medida que el océano se traga el barco, los turistas náufragos están ocupados preparándose y contando su dinero para tener cuidado con las enormes olas que rompen contra las ventanas del barco. Han perdido todo sentido de humanidad y están a punto de perder la vida. Tan obsesionados con la riqueza y, en algunos casos, con la fama en las redes sociales, no pueden aceptar adecuadamente que todos puedan morir. Se niegan a reconocer, y son incapaces de reconocer, esta pérdida inminente.
Hay algunas citas que me inspiraron durante la filmación y una de ellas fue: “Es más fácil imaginar el fin del mundo que el fin del capitalismo”, dice el escritor y director de “Triangle” Robin Ostlund, inflando una línea de Mark Fisher. libro “Realismo capitalista: ¿No hay alternativa?”
“Y cuando digo capitalismo, me refiero a ese tipo de capitalismo cruel y no regulado”, continúa Ostlund. “Una economía de mercado en sí misma no es necesariamente algo malo. Pero como seres humanos, una vez que subimos [financial] Escalera, tendremos dificultad para subir la escalera. Y eso es lo que me interesaba: qué les sucede a estas personas cuando se escabullen”. Cuando algunos sobrevivientes quedan varados en una isla desierta, se sorprenden de que sus lugares anteriores en la sociedad ya no les sirvan en su búsqueda de rescate. Lo que sea cualidades, suerte o una confluencia de acontecimientos les permitieron asegurar una enorme fortuna material ha desaparecido en el océano, junto con el barco hundido.
“Están en lo más alto de la jerarquía de yates, pero cuando terminaron en esa isla desierta, sus habilidades que los hicieron exitosos en los negocios o lo que sea, ya no fueron muy útiles”, dice Ostlund. “No tienen las habilidades básicas y prácticas necesarias para sobrevivir. Y si miras a los humanos modernos, muy pocos de nosotros tenemos esa habilidad”.
En un giro paralelo del destino, la estrella de “Triangle of Sorrow”, el actor sudafricano Charlie Dean, falleció inesperadamente, solo unos meses después del estreno de la película. Esta pérdida, dice Ostlund, informó, si no la realización de la película en sí, lo que sucedería después: la prensa, las entrevistas, las proyecciones.
“Cada vez que hacíamos la película, siempre faltaba alguien en el escenario”, dice. Por supuesto, esto no se puede comparar [the grief ] de sus padres o amigos, y mis pensamientos van a ellos. Pero hay una sensación de pérdida”.
La pérdida también impregna a “The Fabelmans”, en la que el divorcio y la disolución del núcleo familiar son eventos que Sammy, el protagonista adolescente, lamenta. Basada en la infancia de Steven Spielberg, la película describe el trauma de esa unidad familiar en deterioro y cómo ese proceso cambia el curso de la adolescencia de Sammy. Su madre (interpretada por la nominada al Premio de la Academia Michelle Williams) se fugó con el mejor amigo de su esposo, Penny (Seth Rogen), un personaje desconocido que Sami ha conocido toda su vida. El padre de Sami, Burt (Paul Dano), está deprimido y distanciado. Y Sammy, que carece de una fuerza constante en el camino de la unidad de los padres (su separación desencadena una serie de películas ambientadas en diferentes hogares, estados y escuelas) se aferra a las películas como un ancla emocional.
The Fabelmans se dedicó a la memoria de los padres de Spielberg, Leah Adler y Arnold Spielberg, quienes fallecieron en 2017 y 2020, respectivamente. La película es en gran medida un producto de la melancolía, canalizando efectivamente ese dolor y pena en algo que puede vivir para siempre. Porque, a diferencia de las personas, las películas se extienden más allá de la vida humana.
El colaborador frecuente de Spielberg en el guión, Tony Kushner, recuerda cómo la muerte de sus padres contribuyó a la formación de “West Side Story” y más tarde, “The Fabelmans”.
Leah murió antes de que rodáramos West Side Story. Luego, durante el tiempo que estábamos filmando West Side Story, Arnold, tenía 102 años, estaba pasando por una espiral descendente muy pronunciada “, dice Kushner. “Y entonces, Steven todavía estaba de luto por la pérdida de su madre y creo que se estaba preparando para la pérdida. de su padre inminente. Y entonces hubo una verdadera tristeza, y fue genial ver a Stephen en el set, aprender cómo iba a trabajar con esas emociones y hacerlas parte del proceso de filmación. “
Cuando Kushner y Spielberg coescribieron el guión de “The Fabelmans”, Kushner dijo que el dolor se había convertido en un mecanismo mediante el cual podía explorarse el “tema central” de la inestabilidad infantil. “Si piensas en sus películas, que son una de las tensiones más fuertes, las contradicciones en sus películas son peligro versus seguridad”, dice. “Hay un sentido muy fuerte de hogar, seguridad, comodidad y familia, y también un sentido muy fuerte de la fragilidad de todas estas cosas y la forma en que estas cosas están constantemente bajo amenaza desde el exterior”.
Las películas, a diferencia de la vida real, permiten a los humanos detener el tiempo, preservar lo que no se puede preservar para siempre. Las películas, dice Kushner, son recuerdos preservados en la pantalla, congelados en el tiempo. “The Fabelmans” es una historia de pérdida, pero también una historia de esperanza. Al final, es una película que funciona como todas las películas: como una forma de controlar la narrativa, controlar la historia, dar sentido a lo arcano de la vida real. Lo que hace el cine, en esencia, en su forma más pomposa, es hacer que la pérdida sea algo soportable.
“La realidad de la creación artística es que te da una ilusión de significado y comprensión, haciéndote sentir que estás ordenando la realidad y haciéndola algo que puedes controlar y haciéndola más hospitalaria y manejable”, dice Kushner. Pero esto es una ilusión. Y como el arte siempre tiende hacia la verdad, la verdad es que la vida está, de hecho, plagada de peligros. Todos somos humanos y todos moriremos. El arte siempre te atraerá. Él te conducirá a la seguridad. Y entonces ella te sacará directamente de ahí.